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O Blog Maria Lopes e a Arte do Espetáculo é considerado um Blog popular nas Redes Sociais e consta com uma coleção de Prêmios, Selos e Wards recebidos pela presença constante de seus visitantes e participação generosa dos amigos da WEB que de uma forma ou de outra colaboram enviando matérias, sugestões e votos quando necessário. O Blog Maria Lopes e Artes participa no Concurso Top30 Brasil e há mais de um ano se encontra entre os 10 mais votados em mais de 330 000 blogs e sites participantes mensalmente (graças a colaboração dos amigos). Sou imensamente grata por ter a satisfação de transformar o blog em algo real através um mundo virtual que é a informática.
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Flor Da Noite - Nana Caymmi (Liebe Paradiso) Trilha sonora de Gabriela
Alina Eydel nasceu em Kiev, Ucrânia, no ano de 1989. Emigrou junto aos pais para os Estados Unidos em 1992, onde lutaram muito como imigrantes para sobreviver, mas seus pais sempre apoiaram a criatividade de Alina. Dentro da primeira década de sua carreira, a jovem Eydel já alcançou um significativo reconhecimento como artista e já vendeu mais de 2 milhões de dólares de seu trabalho artístico.
Alina tem um B.A. (bacharelo) em Belas Artes da Florida Gulf Coast University e suas peças podem ser encontradas em coleções públicas ao redor de Florida, particulares em todo os EUA, além de vários outros países.
A tela em moldura se chama Fierce Fairy on Gold, ou seja, aproximadamente se trata de uma Fada em Ouro. Sinceramente vejo uma moça com asas de borboletas! Lindíssima!
Chamado de "maior mestre vivo do meio antigo de vidro.
Dale Chihuly, Chelsea persas, 2010, instalação site-specific, elementos 100+ vidro em estruturas de aço inoxidável. cortesia Marlborough Gallery, New York
Dale Chihuly, Silvered Jerusalém Cilindro com Báltico âmbar Cristais, de 2010,de vidro, 19 x 21 x 17 polegadas. cortesia Marlborough Gallery, New York
asa branca
uma versão emocionante da asa branca de humberto teixeira e luiz gonzaga
Posted by Cida Pedrosa on Quarta, 11 de julho de 2012
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Análise da obra:" Impressão, nascer do sol", de Claude Monet
Impression, soleil levant, em português,Impressão, nascer do sol, é a mais célebre e importante obra de Claude Monet. É um óleo sobre tela, datado de1872(mas provavelmente realizado em1873), que representa o nascer damanhãno portodeHavre, com uma névoa cerrada sobre oestaleiro e osbarcose aschaminés ao fundo da composição. O título da obra acaba por denominar o grupo dos pintores impressionistas.O termoimpressionismosurgiu quando foi feita uma crítica a esta tela pelo pintor e escritor Louis Leroy:"Impressão, nascer do Sol” – eu bem o sabia! Pensava eu, justamente, se estou impressionado é porque há lá uma impressão. E que liberdade, que suavidade de pincel! Um papel de parede é mais elaborado que esta cena marinha."A expressão foi usada originalmente de forma pejorativa, mas Monet e os seus colegas adoptaram a designação de Impressionistas.
Em Impressão, nascer do sol, Monet interessa-se pela luz e os seus efeitos na natureza, pinta as coisas como as vê, e não como as imagina ou pressente, e privilegia a rapidez e espontaneidade do traço, em detrimento da precisão do contorno. As cores complementares – tonalidades de azul e laranja, são privilegiadas por Monet. Para os impressionistas, as cores influenciam-se mutuamente, e tons complementares dispostos lado a lado têm um maior realce. As pinceladas não apresentam contornos definidos, as formas são mais sugeridas do que representadas. Em “Impressão – Nascer do Sol”, as pinceladas são rápidas, pois a luz muda depressa e a referência visual perde-se. Os impressionistas, como Monet, evitam pintar de memória. Apesar da névoa encontramos representados, elementos do porto, como guindastes e navios. Os reflexos mostram o movimento das águas, que estão crispadas. A composição de “Impressão – Nascer do Sol”, plana e bidimensional, é influenciada pelaarte japonesa. A obra encontra-se no Museu Marmottan-Monet em Paris ,depois de ter sido roubada em 1985 e recuperada em 1990.
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"Não basta conquistar a sabedoria, é preciso usá-la" - Cícero
"A Liberdade Guiando o Povo” é uma visão romântica sobre a revolução francesa de 1830. Na altura, a França era governada pelo rei Carlos X, que permaneceu no poder durante seis anos. Quando Carlos X tentou abolir a liberdade de impressa e dissolver a recém eleita assembleia, teve início a revolução. O rei é destronado, e Louis-Philippe, um membro mais liberal da família real, assume o poder. É o último rei francês, tendo abdicado em 1848.
Eugène Delacroix não participou na revolução. Para realizar “A Liberdade Guiando o Povo”, é provável que se tenha inspirado em gravuras do conflito, especialmente no trabalho de Nicolas Charlet.
Delacroix pintou “A Liberdade Guiando o Povo” rapidamente, em pouco mais de três meses, e expôs a obra no Salão de 1831. O quadro perturbou tanto os realistas quanto os revolucionários. Foi adquirida pelo Estado por 3 mil francos, e devolvida ao artista, que a deixou na casa de campo de uma tia sua. Durante muito tempo, evitou-se expor “A Liberdade Guiando o Povo” publicamente. Foi apenas em 1874 que o quadro foi adquirido pelo Louvre, e exposto com honrarias.
Destaques da obra “A Liberdade Guiando o Povo”:
• A liberdade: representada como uma deusa clássica, sinonimo de virtude e eternidade. No entanto, os seus traços robustos são comuns ao povo francês, há pelos nas axilas e a mulher não flutua sobre o campo de batalha, mas mistura-se a ele, sujando as próprias mãos. Empunha uma arma moderna – um mosquete.
• Os cadáveres: os mortos são membros da guarda de elite do rei. Por ser uma guerra civil, os revolucionários lutam contra pessoas muito próximas a eles, seus vizinhos e conterrâneos. O realismo dos cadáveres é inspirado em obras de Antoine-Jean Gros, pintor que Delacroix admirava.
• Homem sem calças: outro factor que torna a obra complexa e ambígua é a presença deste cadáver desnudado, um homem desprovido da sua dignidade. As suas roupas foram roubadas, e provavelmente pelos revoltosos. Outros personagens do quadro apresentam-se com objectos roubados dos cadáveres. Assim, mesmo entre aqueles que lutam pela liberdade, há atitudes censuráveis.
• As bandeiras: duas bandeiras são retratadas no quadro, uma empunhada pela liberdade, e outra sobre a Catedral de Notre Dame. A bandeira tricolor foi utilizada na Revolução Francesa de 1789 e nas guerras de Napoleão. Após a derrota deste em Waterloo, a bandeira não foi mais utilizada. O regresso deste símbolo é carregado de emoção, como se o povo reconquistasse o seu orgulho, após a restauração da monarquia.
• O campo de batalha: o centro da revolução de 1830 foi a Ponte d ‘Arcole, e provavelmente este é o cenário da pintura. Porém, nenhum posto de observação permite esta vista de Notre Dame. Como outros pintores românticos, Delacroix abdica de uma fidelidade literal aos factos em prol de um maior efeito dramático. Converte acontecimentos contemporâneos em imagens míticas.
• A composição: é uma composição clássica, em pirâmide, na qual a liberdade ocupa o vértice da pirâmide. O mosquete com baioneta que a liberdade empunha cria uma linha paralela com a arma empunhada pela criança. No restante do quadro, várias linhas diagonais trazem dinamismo à composição.
• As cores: as cores vivas da bandeira auxiliam o destaque para a mulher que simboliza a liberdade. Nota-se que o vermelho da bandeira está sobre o céu azul, o que o salienta ainda mais. As cores repetem-se nas roupas do trabalhador aos pés da liberdade. As vestes da liberdade são pintadas num tom mais claro do que aqueles encontrados no restante da pintura, facilitando o sentido de leitura.
A luz: Fortes contrastes de luz e sombra conferem maior dramatismo à cena. Na paisagem, a luz do entardecer mistura-se com o fumo dos canhões, dissolvendo-se num brilho marcante.
• A pincelada: as pinceladas de Delacroix são visíveis na tela, o que contraria as regras académicas que determinam que a pincelada deve ser “invisível”.
LA LIBERTÉ GUIDANT LE PEUPLE Autor: Eugène Delacroix Ano: 1830 Técnica: óleo sobre tela Tamanho: 260cmx325cm Museu: Museu do Louvre, Paris
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Análise da obra:"Noite Estrelada", de Vincent Van Gogh
Noite Estrelada é uma das obras mais conhecidas de Vincent Van Gogh. O quadro foi pintado quando ele tinha 37 anos e estava internado num asilo em Saint-Rémy-de-Provence (1889-1890). A obra encontra-se actualmente na colecção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA).
Ao contrário de muitas das suas obras, NoiteEstrelada foi pintada de memória, e não a partir da vista correspondente de uma paisagem. Durante ao tempo em que esteve no asilo, Van Gogh dedicou-se a pintar as paisagens da região da Provence.
A paisagem retratada mistura o real com imagens da sua memória, como uma igreja tipicamente holandesa. É notável o contraste entre a calma da pequena vila representada e o caos celestial. Os ciprestes são o elo de ligação entre a terra e o céu. A obra é dividida no plano horizontal pela linha do horizonte e no plano vertical pelo cipreste. O povoado longínquo, de pequenas casas, contrasta fortemente com o cipreste em primeiro plano que se destaca e ajuda ao equilíbrio da composição As pinceladas são curvilíneas, e integram-se de maneira rítmica sobre a superfície da pintura. Estrelas brilhantes pulsam como mini-sóis. Ondas luminosas cortam o centro da tela, parecem ter vida própria. No canto superior direito, chama a atenção a lua que ganhou feições de um sol que transforma em quase dia. Enquanto isso, o vilarejo, com a sua igreja de torre alta, parece adormecer alheio ao céu estrelado cheio de explosões emotivas de Van Gogh.
A pintura foi a inspiração para a canção de Don McLean, "Vincent", que é também conhecida como Noite Estrelada é uma das obras mais conhecidas de Vincent Van Gogh..
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Nascimento de Vênus é uma obra do pintor italiano Sandro Botticelli.
O Nascimento de Vênus é uma obra do pintor italiano Sandro Botticelli. A pintura mostra a Vênus surgindo nua de uma concha sobre as espumas do mar. A obra ainda apresenta Zéfiro, o vento do Oeste, assoprando na direção da deusa, acompanhado pela ninfa Clóris. À direita de Vênus, há uma Hora (deusas das estações) que lhe entrega um manto com flores bordadas.
Provavelmente, Botticelli tenha feito a obra no ano de 1486. Na época, O Nascimento de Vênus e A Alegoria da Primavera, ambos de Botticelli, foram produzidos por encomenda de Lorenzo di Pierfrancesco, um político e banqueiro italiano que queria enfeitar sua residência, a Villa Medicea di Castello.
Esta obra de Botticelli foi influenciada pelo neoplatonismo cristão, pois o pintor havia participado dos círculos de Lourenço de Médici, que tinham por objetivo conciliar as ideias clássicas às cristãs.
Acredita-se que a nudez da deusa não representa a paixão carnal, mas sim a paixão espiritual. Na obra, Vênus é apresentada de forma esguia e com traços harmoniosos. Além disso, Botticelli utilizacores claras e puras, exaltando a pureza da alma e a beleza clássica.
Em sua totalidade, a obra apresenta serenidade e luminosidade, o que pode ser compreendido de duas formas. De certa maneira, aponta para a temática mitológica, levando-se em e consideração a influência das esculturas gregas na composição da Vênus. Por outro lado, a obra apresenta símbolos cristãos como a concha e a água (batismo de Jesus Cristo), além dos anjos, que seriam Zéfiro e Clóris.
Ao contrário das obras de Leonardo da Vinci e Rafael, a anatomia de O Nascimento de Vênus não apresenta o realismo clássico. Nota-se que o pescoço da deusa é mais longo e seu ombro esquerdo tem uma representação anatômica incorreta. Acredita-se que estes erros sejam uma espécie de licença artística de Botticelli, sendo que alguns críticos de arte indiquem estes detalhes como influência do Maneirismo, que era uma vertente revisionista dos valores clássicos e naturalistas do Humanismo renascentista.
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Por Ana Lucia SantanaA Arte Sacra foi a primeira expressão artística no Brasil colonial.
Arte religiosa e arte sacra não têm o mesmo significado, pois uma obra pode ser produzida sob a inspiração divina, mas não ser voltada para o culto. Portanto, esta tem um destino concreto, o de servir a rituais litúrgicos. Jacques Maritain destaca a distinção, dentro da esfera da arte, da produção cristã e, inserida nesta, a atuação da arte sacra, através de elementos espirituais que compõem sua essência.
Hall da Biblioteca Apostólica Vaticana. Foto: Francesco Dazzi / Shutterstock.com
A arte sacra popular não apresenta formas lapidadas, enquanto a arte sacra clássica revela artistas com um talento sublime. A arte religiosa é um reflexo da essência humana, um processo interno do artista, sua imagem do amor divino. Ela é, assim, subordinada à religião institucional. A arte sacra está, portanto, impregnada dessas características, mas diferencia-se por ser imanente ao culto sagrado. Sua intenção é despertar nos fiéis emoções puras e singelas, revelar-lhes a visão do Paraíso ainda na Terra, um lampejo da perfeição. Mas estas obras, distintas das cristãs em geral, não devem chocar os freqüentadores das Igrejas nas quais estão expostas, nem ferir suscetibilidades, muito menos criar controvérsias ou questionar dogmas e conceitos religiosos. Seus fins são estritamente pragmáticos. Não seria apropriado, por exemplo, rezar a Missa diante de um quadro, por maior que seja seu valorartístico. Não importa, assim, o significado estético ou o elemento sensível da obra, e sim sua capacidade de elevar os sentimentos dos que a contemplam – ela deve ser um símbolo do mistério divino. Em resumo, ela deve adequar-se às cerimônias litúrgicas, mas conservar ao mesmo tempo as qualidades estéticas do que se conhece como arte, expressando com um estilo próprio sua linguagem particular. A Igreja sempre abrigou em seu núcleo as manifestações artísticas, mas na esfera privada dos seus rituais ela não admite princípios profanos, assim ela cria rigorosos critérios de seleção e procura discernir o que se ajusta à fé cristã e às suas tradições. Contra a iconoclastia calvinista, o Concílio de Trento destaca a importância de algumas imagens, como as de Cristo, da Virgem Maria e dos santos, sem incidir em atitudes abusivas.
O Código de Direito Canônico regula a construção de Igrejas, as imagens permitidas nos recintos religiosos, os objetos litúrgicos utilizados nos rituais, os sacrários aceitos e a manutenção deste patrimônio artístico. Acima das preferências do artista, deve estar a utilidade da obra e os interesses da comunidade cristã. Assim, não há formas fixas, cristalizadas, na Arte Sacra, não há um estilo definido. Ocorrem várias mudanças ao longo do tempo, pois a Igreja não se considera proprietária desta produção artística. Para seus representantes, o importante é se apropriar das formas e das técnicas de cada época e desta maneira melhor servir à congregação religiosa. Este critério também vale para as vestes e decorações sagradas.
Houve o predomínio, durante muito tempo, dos exageros barrocos, nascidos da ilusória idéia de que tudo relacionado a Deus deve ser excessivo, grandioso, envolto em camadas de ouro, cores e brilhos. Movimentos como os dos franciscanos pregam a simplicidade e a beleza, essência divina. Mas noVaticano e em algumas outras importantes Catedrais vigora ainda o reinado do ouro e dos exageros formais. No Brasil, bem como em toda a América, predomina o Barroco Mineiro, com destaque para Atahide e Aleijadinho, conhecidos mundialmente. A Arte Sacra foi a primeira expressão artística no Brasil colonial.
O Nascimento de Vênus